回顾一周艺术人物：艺术家索玛雅·克里奇洛的个展在伦敦杜尔维治美术馆展出，其作品与美术馆藏的经典画作并置呈现；在保加利亚的冰封纪念碑前，中国艺术家郑靖带来了一场名为“牧光计划”的光影展演；在北京，王东声举办了其书法个展及新书发布会，分享其书写与表达；在上海，艺术家季平的个展“漫园季”展现其以突破传统的艺术风格描绘的园林景致；日本艺术家安永正臣在里森画廊的个展呈现了一系列极具实验性与表现力的全新器皿雕塑，而艺术家徐赫的个展“我谢谢你”则探讨了多元文化。

伦敦｜艺术家索玛雅·克里奇洛

与古典大师作品并置展出

索玛雅·克里奇洛

在伦敦的杜尔维治美术馆（ Dulwich Picture Gallery），年轻画家索玛雅·克里奇洛 (Somaya Critchlow) 的个展正在馆内展出。值得一提的是，她的作品正在与该馆馆藏的鲁本斯、凡·戴克和委拉斯开兹等大师作品并置展出。

索玛雅·克里奇洛 (Somaya Critchlow)，英国艺术家，现年31岁。现代主义成为艺术表现的主导形式后所发生的转变并未引起她的共鸣，她更喜欢古老的画作。具体来说，她热爱文艺复兴时期的画作。这也许就是杜尔维治美术馆成为其首次亮相的理想场所。该美术馆以收藏 600多幅古代大师的画作而闻名。索玛雅·克里奇洛的个展“密室”是该馆“解锁绘画”计划的一部分，该计划是将当代画家与馆藏作品进行对话。策展人露西·韦斯特 (Lucy West) 表示：“索玛雅具备许多完美条件。她在美术馆附近长大，小时候经常来这里。此外，她对古代大师的作品有着无尽的迷恋。”

索玛雅·克里奇洛的作品与古典大师作品并置展出

在此次展览中，由六幅委托创作的画作，全部是裸体黑人女性，这也是克里奇洛的标志性主题。克里奇洛说，她对将房间作为私人房间但同时也是公共空间的想法很着迷。展览标题“密室”取自安吉拉·卡特 1979 年出版的短篇小说集《血腥房间》。在这一故事中，一位年轻的钢琴家嫁给了一位贵族，后来发现了他收藏的虐待狂色情作品和一个包含他前三任妻子尸体的酷刑室。艺术家对作家用故事来探索“有自主权的女性”的想法着迷。

她的作品也受到沃尔特·西克特于1910年写的论文《裸与裸体》的影响，将这两种状态区分开来——前者是艺术历史的比喻，而后者是人体的亲密表达。此外，她也受到了彼得·保罗·鲁本斯和格里特·杜作品中宗教故事和神话的影响。现在，这些作品与她的作品一起在展览中展出。在委托创作中，她研究了美术馆收藏的画作，并对戈雅的调色板、提香的调色板、委拉斯开兹的调色板进行了研究。这些画作有一种黑色幽默和荒诞的特质，有时，画中的女性看起来既美丽又可怕。当然，她的作品中也有色情的意味，画中的人物以诱人的姿势出现，迷人的目光则是受到20世纪60年代和70年代黑人色情杂志的启发。

索玛雅·克里奇洛作品

克里奇洛的画作似乎是将私人的东西公开化，并反抗纯洁的观念，探索关于身体的黑暗好奇心。她说，“带着尽可能多的欲望和好奇心。有时候，为了理解某件事，你几乎需要去到禁区。”展览“密室”将持续至7月20日。（编译/陆林汉）

保加利亚｜艺术家郑靖

在冰封纪念碑前的光影展演

艺术家郑靖

近日，中国艺术家郑靖在保加利亚冰峰纪念碑（BuzludzhaMonument）的苍茫雪域中开启其“牧光计划”的新篇章：“人类乌托邦”系列。这是郑靖继2022年的“牧光计划·敦煌”和2023年的“牧光计划·零丁洋”后，第三次以光为媒介、以游牧为方式，在全球不同人文自然空间进行实时的艺术创作。

这座始建于二十世纪的历史建筑，矗立在巴尔干山脉的怀抱中。在冰冷的寒夜里，郑靖与这座历史遗迹展开了一场跨越时空的对话。冰峰纪念碑现场白雪皑皑，银辉泻地，艺术家利用冰峰纪念碑独特的建筑结构，让光影与穹顶和墙壁交织，使得建筑本身的破败与光影的灵动形成对比。在展演现场，伴随着音乐家Nikola Markovski演奏的保加利亚民谣，盖达琴的音符在寒风中飘荡，诉说着这里曾经的理想与失落，也指向人类的生活想象与愿景。

光影展演现场

郑靖，中国美术学院教授，博士生导师，致力于以艺术与科技相融合的多感官体验拓展空间艺术的表现语言，推动了以“空间诗学”为特征的社会型艺术创作。近年来，他策划了乌镇戏剧节·公共空间艺术展演计划、秦淮河国际光影艺术展、苏州拙政园多媒体空间展演、阿那亚戏剧节·候鸟300、千岛湖国际光影艺术双年展等公共艺术项目。

自2022年开始，郑靖启动个人艺术项目“牧光计划”。他首先在敦煌地区行进勘察，创造了结合光影媒介与游牧方式进行实时创作的公共空间艺术计划。2023年，“牧光计划·零丁洋”在海域空间实现第二期创作。而此次“人类乌托邦”系列则以游牧方式，在多地创作。在保加利亚后的创作之后，郑靖将携团队前往克罗地亚，在莫斯拉维纳纪念碑（Moslavina Monument）进行创作与展览。（整理/陆林汉）

上海｜艺术家季平

“漫园季”在嘉定明徹山房展出

季平（左）与策展人尹骥阳（右）在展览现场

近日，“漫园季”——季平当代水墨园林展在地处上海嘉定的明徹山房展出。该展览由青年艺术评论家和策展人尹骥阳策展。

生于1956年的艺术家季平是上海中国画院画师，早期作品多聚焦于都市人物和城市风景，反映城市化进程中普通人的生活状态和精神面貌。他通过描绘城市景观和城市景观中不同世代的人物群像，展现了独特的艺术洞察力。近年来，季平逐渐转向现代花鸟画创作。他以拟人的手法赋予鸟儿人的形象，探讨人与自然、鸟与人的关系，展现了他对生命的哲思。策展人尹骥阳认为，季平的园林绘画是一场“色彩与线条的交响”。其作品中的色彩时而浓烈如爆炸，时而淡逸至近乎消隐，却总能达成“交响乐章般的平衡”。

展览现场

展览的学术主持张立行认为，画家笔下的园林并非对实景的摹写，而是通过“消解实在性”的符号化尝试，表达对“人与自然”“精神家园”的形而上思考。展览顾问尹昊则特别提艺术家的“反格式化”创作态度，在园林题材中，形成中西合璧的视觉语言。这种实验性探索，既是对陈从周“诗情画意”造园理论的致敬，也是对“眼中有园、心中无园、笔下再生园”艺术理念的实践。 （宗禾）

北京｜艺术家王东声

分享书写与表达

王东声

2月21日，王东声书法品鉴展暨《王东声：书写与表达》新书分享会在北京市通州区宋庄镇小堡西街152号南门展出。

王东声，中国国家画院研究员，博士生导师，京华印社副社长兼秘书长， 中国美术家协会会员，中国书法家协会会员。他从事艺术创作、教学和视觉文化研究，近年多涉及水墨艺术、书画印比较、陶瓷印艺术及当代审美研究。

王东声骨子里又总透着一种温和包容的文人风度，但对于艺术，无论画、书法或者篆刻，他却总有一种不破不立之感。他不反对传统，而是反对因循守旧、墨守陈规，反对呆在舒适区里的自我消磨。

王东声书法作品

他用毛笔写新诗，抄写中外现代诗歌，其中有一篇节选艾略特的《荒原》。字的形态也脱离了所谓中锋侧锋的规矩，书写方式也不再是先上后下、从右而左的传统模式，而是现代文字的自左往右的横式书写，就自由的、任运的书写。他也写古体诗，其中一篇张伯端的《性地颂》，平和中正，安静祥和，通篇清爽干净，让人有如沐春风之感。如同《性地颂》所言：“佛性非同异，千灯共一光。” 只管去写，去共情，去感知，任何的形式都是情绪的表达，都可以拿来推进新的潮流。（宗禾）

上海｜日本艺术家安永正臣

以陶土演绎“脚踏大地”

安永正臣在工作室

2月22日，日本雕塑家安永正臣 (Masaomi Yasunaga) 在里森画廊的中国空间推出中国大陆首次个展。此次展览呈现的作品包含一系列极具实验性与表现力的全新器皿雕塑，及由手工马赛克勾勒出精密图像的近期平板状系列。通过突破性的创作手法，安永正臣审视了陶器创作的技术传统，及器皿在数千年人类文化发展中的角色，并彰显这一媒介全新的表现潜力。

安永正臣出生于1982年，现于日本三重县伊贺市生活和工作。他曾在大阪产业大学学习环境设计，并获得硕士学位。他师承星野晓 (Satoru Hoshino)，后者是日本先锋陶瓷流派“走泥社”的成员之一。作为一场活跃于1940至1990年代的战后艺术运动，走泥社的宗旨是对陶瓷材料既定的功能产生质疑和反思，开创全新的雕塑哲学理念。

安永正臣，《容器骨架》（细节图），2024，釉料、化妆土、陶土、高岭土，图片由里森画廊提供

此次展览的主题启发自由鹅卵石铺就的道路表面，它们往往由日积月累的行人脚步所塑造而成。围绕“踏足大地”的概念，安永意在通过展出的作品探讨人类的行为与活动如何留下持久的痕迹和记忆。为了强调展览的概念，展厅地面铺设了一种能够体现参观者足迹的地毯。随着观众在展览空间内移动，地面上的有机材料会逐渐累积脚印，形成一道持续变化的轨迹，暗喻时间流逝与人事无常。这一展陈方式引领观众体验安永的实践理念、对材料的探索，以及他处在时间、身体与物体之交汇点的独特创作手法。

安永正臣个展“脚踏大地”现场图

展览中的马赛克新作系列致敬了远古时代和遥远地域的艺术风格，并延续了艺术家对古老与前沿技艺的探索。这些平板状作品上的像素化图像，呈现出以不同方式排列的器皿，将多见于安永三维作品且质感原始粗粝的容器象征拓展到平面的维度中。对于材料性和时间性的一系列探索，让作品呈现层次丰富的表面，反映了受控与随机之间的张力；烧制而成的复杂肌理与形态，来自由自然力量有机塑造的，也归因于安永对釉料独具一格的运用方式。展览将持续至4月19日。（文/黄松）

上海｜艺术家徐赫

个展“我谢谢你”，探讨多元文化

2月22日，徐赫个展“我谢谢你”于香格纳画廊上海M50空间开幕。展览名“我谢谢你”，在德语中是一种庄重的致谢表达，在中文语境下则隐含了更为微妙的情感层次，借由复杂的语义强调在艺术实践与现实观察中客观存在的冲突与弥合，集中展现徐赫对多元文化的内化、形式与内容、个体与时代、历史与未来之间复杂关系的深刻思考。

徐赫个展“我谢谢你”开幕对谈。左：戴卓群（评论家、策展人），中：徐赫（艺术家）
主持：欧祖琴（香格纳画廊高级总监）

徐赫，现生活、工作于北京与柏林。先后毕业于中央民族大学和德国卡塞尔艺术学院，深受中国传统美学中“气韵”观与德国新表现主义的批判性视角的多重影响。

作为一位拥有中国与德国双重学习与生活背景的艺术家，其创作的抽象混沌的形象在多元文化线索中内化达成平衡，塑造出鲜明的个人艺术语言。同时，成长的时代背景赋予他深刻的忧患意识并贯穿于他的创作之中。

“徐赫：我谢谢你”展览现场

徐赫的作品以几何式的抽象怪诞形象为核心，融合尖锐、凌厉的表现性结构与透逸流转式的写意笔墨，使画面在刚柔冲突间达到独特的平衡。他的创作既非对西方艺术史的复刻，亦非对传统的怀旧回归，而是尝试拉开超越二元文化现象式的图像语言的距离，以批判性视角回溯历史并创造未来性的联想图像。

“徐赫：我谢谢你”展览现场

展览开幕当日，评论家戴卓群与徐赫围绕新展核心线索、创作脉络演变及特定场域平面装置展开对谈。对谈以“我谢谢你”以歧义性问候为切口，穿透日常经验与集体情境中的隐秘关联。并涉及作品中对“我”对“你”的观察与转化，在主体与客体间构建批判性认知的审思空间，重塑现实语境的思辨距离。（文/黄松）